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Almandrade, singularidade no cenário artístico baiano

Alê Garcia — Thu, 26 Mar 2009 17:10:00 +0000

Cada um pode preencher o vazio a sua maneira. Para o observador acostumado a ter uma obra “acabada” diante de si pode ser uma experiência de estranheza estar dentro da obra de arte. Uns podem ser barrados pelos elásticos, outros, quem sabe, ultrapassarão sem pudores esta barreira e os mais ousados poderão até se arriscar a utilizar a cadeira. Essa é a tônica que promete emanar da instalação Labirinto para o olhar, do artista plástico Almandrade, que ficará exposta até 4 de janeiro de 2009, na Galeria do Conselho, anexo ao palácio da Aclamação, Campo Grande.

Os visitantes encontrarão nada mais que o essencial. Em meio às paredes brancas são estendidos elásticos vermelhos e no centro uma cadeira de veraneio que no lugar do assento de lona apresenta também um elástico vermelho. Cada elemento tem o seu lugar bem definido que dialoga com o espaço e a luz. Essa última, teatraliza a cadeira e dá continuidade as formas retilíneas dos elásticos tencionados. Conceito e geometria, planejamento e execução percorridos com coerência precisa, característica do autor.

Labirinto para o olhar se relaciona com a construção nova que se dá a cada passo, a cada ângulo que se observa a disposição dos elementos de uma instalação. Pensamentos preenchem o estático vazio silencioso, recortado pela tensão dos elásticos, com tentativas de desvendar seu significado, de sair deste labirinto que por falta de uma obra referencial deixa o olhar do observador perdido…

O vazio, tanto como premissa na composição objeto-espaço-observador quanto pela ausência de elementos, faz parte do labirinto como uma ausência que carrega uma aura arqueológica e que absolutamente não é saudosista. Contesta não só a arte, mas sua embalagem, o invólucro proposto como ideal: o cubo branco, onde o silencio e o distanciamento são instituídos. Para Almandrade “Nesse espaço onde se cumpre religiosamente o ritual de olhar, o espectador se defronta com um pedaço de deserto, paredes brancas, quase nada para ver, somente as linhas definidas pelo elástico estendido, reflete”. O artista ainda completa “É permitido o devaneio, e ele dá sentido àquilo que vê”.

Apoiada pela Fundação cultural do Estado através do edital “Portas abertas para as Artes Visuais”, a obra não poderia dizer mais de seu criador. Artista plástico e poeta, formado em arquitetura, ele se mostra um artista versátil dentro de sua proposta. Nos seus 34 anos de carreira nas artes visuais caminhou pelo desenho, pintura, escultura, instalações e poesia. Transita entre a bi e a tridimensionalidade, entre a imagem e a palavra de forma fluida. A metamorfose de uma para outra às vezes não se completa e mesmo observando duas formas de expressão distintas elas parecem falar a mesma língua.

Apesar de percorrer o figurativo no início da carreira, fincou sua identidade pautada na arte conceitual, nos concretistas, neo-concretistas e minimalistas. Sempre os poucos elementos e o aspecto enxuto que vai direto ao ponto vão imperar em suas criações. “As minhas pinturas e esculturas são pensadas e executadas dentro de um mesmo princípio. A realização de uma única coisa ou criar, com o mínimo, um mundo” comenta em seu último livro Escritos sobre arte: arte, cidade e política cultural, lançado pela editora Cispoesia.

Almandrade, provavelmente por influência de sua formação em arquitetura, demonstra preocupação com a articulação entre objeto, espaço e cidade. Constrói seu imaginário criando objetos e situações que dialogam com a cidade, posto que é seu avesso deslocado no tempo e espaço. Sua racionalidade contrasta com a desordem, o caos, o excesso de informações e os modismos de uma sociedade saturada de tudo. Sua assepsia contrasta com as imagens da sociedade midiática e se distancia da colorida e construída baianidade. No mínimo um artista singular e constantemente inovador no cenário cultural da cidade de Salvador.

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Texto publicado nos sites:

http://www.expoart.com.br/artigos/?idt1=246

http://www.aldeianago.com.br/index.php?option=com_content&task=view&id=1879&Itemid=3

Horror Vacui do universo consumista infantil

Alê Garcia — Tue, 03 Mar 2009 04:10:00 +0000

Deu muito o que falar em 2005 e eu não sei porque. Não achei o máximo não. A artista coreano Jeong Mee Yoon faz um Balaio VOGUE kids pink & blue que aponta muito superficialmente questões de consumo e genero.

No Território Vasto: Cildo Meireles e Convidados

Alê Garcia — Mon, 16 Feb 2009 00:05:00 +0000

Cildo é um artísta de carreira longa, quase sempre presente. Desde a década de 60 até hoje Cildo cria obras para incomodados, para aqueles que muitas vezes se sentem desconfortáveis com certas questões sobre o mundo. Um drama que sempre muito bem apresenta esse artísta através de suas composições que se alimentam de paradigmas, deglutindo matérias que são símbolos, signos. Uma arte pensada e que exige do observador um olhar com o mínimo de treinamento para que se possa tentar uma aproximação com a dúvida, com a mensagem ou com a reflexão.

O Palacio da Aclamação foi o palco escolhido para receber a amostra chamada de No Território Vasto: Cildo Meireles e Convidados. Aqui em Salvador a iniciativa da UNE não foi muito comentada. Na amostra podemos ver algumas de suas obras mais famosas como Inserções em circuitos ideológicos e cruzeiro do Sul.

O artista tem como uma das últimas grandes chamadas de seu vasto currículo uma exposição na TATEM MODERN, uma das galeria de arte mais visitadas do mundo. No youtube a instituição divulga uma pequena entrevista e mostra a atividade que desenvolveu para aproximar obra e público.

Con.Tatos – Adalberto Alves, Liane Heckert e Nicolas Soares.

Alê Garcia — Thu, 05 Feb 2009 00:13:00 +0000

O setor educativo do MAM-Bahia vem promovendo diversos encontros (verdadeiros acontecimentos) entre artistas e seu público. Terça-feira pela primeira vez participei de um deles.: Adalberto Alves, Liane Heckert e Nicolas Soares falaram um pouco de suas carreiras e de seus trabalhos apresentados no 15º Salão. Uma iniciativa louvável tendo em vista a áurea de incompreensível e hermética que assombra a obra de arte moderna.

Adalberto Alves eu conheci através da Exposição RAID na Caixa Cultural. Ele trás de volta do desenho (se é que a técnica foi algum dia para poder ter voltado) rabiscado que decalca na parede com papel carbono fazendo uma arte que fica impregnada nas paredes da galeria e que está fadada a morrer no final da exibição. A impressão que me da os trabalhos dele é que um menino andou rabiscando a ultima página do caderno e insatisfeito com o pequeno espaço acabou extrapolando o suporte. Suas formas brincam com os corpo humanos. O que somos nós se não malabaristas nesse mundo desequilibrado? Estamos sempre a ponto de cair no poço da insanidade.

A dupla Liane Heckert e Nicolas Soares foram os responsáveis pela instalação “Insustentável” que articula um banco de vidro e uma fotografia fugaz de um casal. A obra é um convite a reflexão sobre relacionamentos, sobre a fragilidade das relações e brinca com a estética cinematográfica, com o vouyerismo. Não conhecia o trabalho dos dois e achei bastante interessante o que foi apresentado. É muito bom ver gente nova fazendo arte com substância. Os trabalhos e seus manking off podem ser visto no blog da dupla.

Levava comigo meus pupilos (e de Rene) do projeto “Museu e Escola: Parceiros no processo de preservação da memória”. Eles se divertiram muito especulando sobre a as obras e as vezes interagindo com elas, o que mostra mais ainda que a arte contemporânea não é esse bicho de sete cabeças. Assistiram atentos as apresentações dos artistas, ficaram meio tímidos para participar do debate, mas no final bateram um papo com exclusivo com Adalberto Alves. A visita foi facilitada pela instituição que alem de disponibilizar uma van para levar e trazer os alunos desenvolveu uma atividade lúdica na escola um dia antes da visita.

Os artistas falaram um pouco das mensagens que tentaram passar, mas sempre deixando claro que a comunicação é aberta e que a obra se completa no público. Para mim é justamente isso que torna a arte contemporânea tão intrigante e tão “nossa”, tão “do nosso tempo”. Vivemos tempos de incerteza onde tudo está fadado ao fim. Fala-se em fim da história, fim das barreiras geográficas, fim da arte, fim dos tempos. O mundo está pouco conclusivo para abrigar uma arte conclusiva.

Na sua história a arte o tempo todo parece ter oscilado entre o clássico e o romântico, entre o racional e o irracional, entre razão e emoção, divididos em ciclos definidos. Há quem defenda que chegamos a um ponto em que a arte apresenta um certo hibridismo que não permite que esse ciclo se feche com clareza. No contexto do Décimo Quinto Salão eu fico com o romântico. A arte contemporânea quase sempre me deixa escolher.

Agradecimentos ao Sertor Educativo do MAM.

Post Secret

Alê Garcia — Fri, 30 Jan 2009 20:06:00 +0000

É próprio do ser humano guardar segredos e mais ainda querer saber o segredo do outro. Todo mundo tem aquele segredo que guarda somente para sí ou para poucas pessoas. Pode ser um fato engraçado, muito triste, criminoso, um desejo e até aquela mania que parece bobagem, mas é um pouco embaraçosa. Perpassando por essas ruelas do ser humano é que o artista Frank Warren desenvolve o projeto de mail art Post Secret.

O artista recebe postais em que pessoas de forma anônima revelam seus segredos mais íntimos. Todo domindo ele escolhe alguns e coloca no blog no projeto. O Post Secret iniciou em 2007 com apenas 10 postais feitos por artistas. Logo o proprio formato de blog do projeto suscitou muitos comentários e conseqüentemente a criação do fórum postsecretcommunity abrindo espaço para as outras pessoas colocarem seus segredos também. O resultado é uma viagem interessante pelo submundo secreto do indivíduo contemporâneo e muitas horas gastas na frente do PC as vezes dando risada, outras se espantando ou se emocionando com as confissões alheias.

Ps.: Obrigada a Ju Casal pela dica!

Google amanheceu artístico hoje.

Alê Garcia — Wed, 28 Jan 2009 11:38:00 +0000

Aniversário de Pollock. Estava precisando de um pouco de arte para começar bem meu dia.

Prado High Quality – Melhor? Só ao vivo!

Alê Garcia — Thu, 15 Jan 2009 18:26:00 +0000

Um dos Museus mais importantes do mundo tem uma iniciativa pioneira que beneficia os internautas e fãs de arte do mundo todo! Agora a gente pode acessar 14 obras primas através do google earth em uma qualidade incrível!14.000 megapixels!

Você pode ver a delicadeza das texturas, a poética do craquelê, as marcas da ação do tempo. Alcança um angulo de visão que nem ao vivo no museu você teria. A possibilidade de aproximação é incrível. Fiquei estarrecida ao constatar que não percebi as lágrimas nos olhos dos personagens de minha tela preferida: “descida da cruz” de Roger Van der Weyden. Da até pra ver um alfinete na cabeça da freira.

Um fator importante de se destacar é que você está livre da “fatiga museal”, aquele cansaço que nos abate depois de tanto tempo de pé em um museu ou galeria. Lembro que passei o dia inteiro no Prado e quando cheguei no Jardim das Delícias já nem tinha animo pra me atentar as pequenas representações grotescas que anteciparam o surrealismo. Ontem pude m dar o luxo de passear pelos mínimos detalhes do famoso tríptico.

As imagens não vão substituir a ida ao museu tradicional, já que ainda temos muito de “valor de culto” (ainda bem!), mas é outra ferramenta a ser utilizada e espero que outros museus sigam o exemplo. Passou da hora dos museus perderem esse medo do “valor de exibição”. O tempo passou e ensinou que uma coisa não anula outra. A tecnologia nos abre novas possibilidades de percepção, indo além do olho, além do espaço real. Vamos deixar que as inovações tecnológicas somem e dialoguem com o passado traduzindo e, portanto, aproximando a arte das pessoas.

As obras digitalizadas foram:

Artemis by Rembrandt
Self Portrait by Albrecht Durer
The 3rd of May 1808 in Madrid by Francisco Goya
The Nobleman with his Hand on his Chest by El Greco
The Cardinal by Raphael
Descent from the Cross by Roger van der Weyden
Emperor Carlos V on Horseback by Titian
The Garden of Earthly Delights by Hieronymus Bosch
Jacob’s Dream by José de Ribera
Inmaculada Concepción by Giambattista Tiepolo
The Annunciation by Fra Angelico
Crucifixion by Juan de Flandes
The Family of Felipe IV, or Las Meninas by Diego Velázquez
The Three Graces by Peter Paul Rubens

Segue vídeo com o Making off…

Moleskine Art

Alê Garcia — Tue, 06 Jan 2009 12:43:00 +0000

Acharam o moleskine de Van Gogh na Grécia! Perdido desde a 1ª grande guerra, o caderno de anotações do pintor contém rabiscos de grandes obras suas do período em que freqüentou a Royal Academy of Art de Bruxelas. Ainda não foi autenticado, mas tudo indica que é dele mesmo.

Você deve estar se perguntando o que é um Moleskine? Moleskine é uma famosa marca italiana de caderno de notas. Mas não é qualquer caderno de notas… Um professor de estética já havia comentado sobre eles e eu nem dei bola. Ele tinha um Moleskine e sempre falava dele com uma colega e eu ficava: “o que esses dois veem tanto nessa caderneta? Só porque o papel é de qualidade e ela abre 180º? Grandes coisas!”.

Um belo dia numa das minhas ciberandanças pelo youtube me deparei com a arte feita em Moleskines. Aí entendi que o angulo de 180º é ótimo para realizar desenhos e conheci os usuários ilustres que deixaram seus pensamentos e sua arte registradas nesses caderninhos e deram uma aura especial a marca. Seus usuários mais famosos foram Vincent Van Gogh , Henri Matisse , Pablo Picasso, André Breton, Louis Férdinand Céline, Neil Gaiman, Jean Paul Sartre e Ernest Hemingway. Por conta disso o Moleskine não poderia deixar de ser referenciado no cinema em filmes como Le fabuleux destin d’amélie poulain, Indiana Jones and the Last Crusade, The Da Vinci Code, Magnólia e The Talented Mr. Ripley.

Até hoje o Moleskine é feito a mão, mas não mais na Itália. Mãos chinesas trabalham para a Moleskine, a modernidade chegou de alguma forma… Em 2007 a Moleskine vendeu 10 milhões de unidades. Mas para fazer anotações com estilo é preciso pagar um preço um pouco alto. Um Moleskine tradicional no Brasil custa entre 80 e 150 reais.

Interessante o desdobramento que um simples caderno de anotações podem ter. O Moleskine implacou como suporte de arte. Existem até versões com papéis especiais para aquarela. A arte em Moleskines pode ir tanto rabiscos de ultima página de caderno até obras de arte antiga. Os trabalhos mostram que não há limites para a imaginação.

No ano de 2006 iniciou a exposição itinerante “Detour“, em Londres, exibindo 70 Moleskines de artistas, arquitetos, escritores, ilustradores e designers. Em 2007 a amostra foi para Nova York, em 2008 Paris e Berlin. Este ano pretende passar por Istambul e Tokyo. No site do projeto você encontra um arquivo de vídeos e na internet também pode-se ver vários filminhos interessantes. Eu separei meus preferidos. Divirtam-se, e se gostarem procurem mais no youtube!